Eila Kivikk’aho, 100 vuotta syntymästä

Viime vuosisadan jälkipuoliskolla suomalaisessa runoudessa ja suomalaiseen runouteen merkittävästi vaikuttaneen Eila Kivikk’ahon (1921–2004) syntymästä tuli viime talvena kuluneeksi 100 vuotta. Koronan takia hänen muistokseen järjestetty matinea voitiin pitää vasta marraskuussa, muutamaa viikkoa ennen toisen mestarin Eeva-Liisa Mannerin 100-vuotismuistojuhlintaa. Eila Kivikk’ahon kirjeisiin ja muihin teksteihin perustuva Siru Kainulaisen elämäkertateos Sillä kirjoittamasta en lakkaa (Partuuna) julkistettiin runoilijan 100-vuotismatinean yhteydessä.

Kannen kuva (rajattu) Airi Jensen. Tanskaan avioitunut Jensen oli Kivikk’ahon nuoruudenystävä ja pitkäaikainen kirjeenvaihtotoveri.

Eila Kivikk’aholla on vakiintunut paikka suomalaisen runon kaanonissa. Sotienjälkeisessä murroksessa hänen tuotantonsa osuu traditionaalisen ilmaisun ja uudistuvan modernismin saumaan erityisellä tavalla: hänen tuotantonsa poljentoon, sointuun ja riimiin perustuvat laululliset ominaisuudet jatkavat esimerkiksi esikuvansa Otto Mannisen hengessä, mutta erityisesti japanilaisen tanka- ja haiku-muotoa käyttämällä hän ansioitui myös modernisteille ominaisen kuvarunon kehittäjänä. Siirtymä ei ollut vaivaton: ”Oli kerran lintu, / joka opetteli puhumaan. / Ja se oli vaikeampaa kuin laulu”, alkaa Niityltä pois -kokoelman viimeinen runo ”Vaikeampaa kuin laulu”.

Päällys Kristina Segercrantz. Koottujen runojen viimeinen laitos on vuodelta 2001. Mukana myös valikoima suomennoksia.

Taitavasti Kivikk’aho uudisti japanilaisista vaikutteista lähtien runoa, jonka keskiössä on itsenäinen kuva mutta jonka kehyksiin asettuu luontevasti myös tradition piirteitä sisäsointua ja riimiä myöten. Niukkasanainen mutta tiheä ilmaisu taipui paikoin myös iskeviksi kannanotoiksi, joissa runoilijan omasta, usein problemaattisesta tilanteesta lähtevä kuva laajenee kommentiksi maailmasta, luonnosta ja ihmisen ehdoista täällä kaikkeuden sininiitulla, Aleksis Kiveä tähän käyttääkseni.

Siru Kainulaisen alaotsikkonsa mukaisesti ”Eila Kivikk’ahon runoilijanelämää” kartoittava teos antaa erittäin tervetulleen ja merkittävän panoksen avaamaan Eilan lähtökohtia, kehitystä ja elämänkulkua (nyt puhuttelen häntä etunimeltä, tutustuin häneen vuonna 1964 ja tapasin neljän vuosikymmenen mittaan harvakseltaan mutta jokseenkin säännöllisesti). Pääasiallisena lähteenä ovat Eilan kirjeet, joista osa on ilmeisesti lähettämättömiä. Hieman hassu on Kainulaisen maneeri, kun hän siteeraa ensin kirjettä, Eilan ilmeikkään huoliteltua kieltä, ja seuraavassa kappaleessa toistaa omin sanoin, mitä lainatussa kohdassa juuri äsken sanottiin.

1961. Päällys Urpo Huhtanen. Parvi on ”välipolven” tilinteko (Mirjam Polkunen). Kokoelmassa Kivikk’aho antoi äänen kotinsa menettäneille: ”Tiet täyttyvät pakenevista, / täyttyvät tyhjentyäkseen. // Aorttansa täyteydeltä / seutu vuotaa kuiviin.”

Kivikk’ahon runoudesta vuonna 2011 väitelleen Kainulaisen tarkoituksena oli alun perin kirjoittaa teos yhdessä Eilan tyttären Tarleena Sammalkorven kanssa, mutta väliin tuli Tarleenan ennenaikainen kuolema vuonna 2016. Kirja menetti jotain tärkeää, koska nyt siitä on jäänyt puuttumaan Tarleenan hiljainen tieto Eilan maailmasta. Ja toisaalta, Tarleenan pitkäaikaisena työtoverina tunsin hänen toimittajankykynsä ja tyylitajunsa, eivätkä nämä ominaisuudet olisi olleet tässä pahitteeksi. Mutta yhtä kaikki, erityisesti Eilan kirjeiden kautta kirjassa tulee kuuluviin Eilan autenttinen ääni, eivätkä piiloon jää myöskään hänen elämänsä traagiset vaiheet, jotka paradoksaalisesti tekivät hänestä myös ainutlaatuisen ”vaikenemisen runoilijan”.

Omistus 50 vuotta täyttävälle Ainolle. Huomaa tekijännimen oikeinkirjoituksen korjaus.

Laululyriikan puolella Eilan tunnetuimmat bravuurit ovat ”Nocturno” esikoiskokoelmassa Sinikallio (1942) ja ”Kansanlaulun tapaan” kokoelmassa Venelaulu (1952). Tähän lainaan kuitenkin paria rukouksen muodon saanutta runoa.

1945. Päällys ehkä
Tapio Tapiovaara?

Ensin ”Aamurukous” Viuhkalaulusta (1945):

Näen hohtavat taivaanrannat,
mut pyydän vielä tätä:
kun päiväni painua annat,
älä yksin yöhön jätä

vaan suo minun muistaa silloin
tämän hetkeni selkeä usko:
– joka auringon lasku illoin
on jossakin aamunrusko.

1952. Päällys Maarit Larva.

”Muuan isämeitä” on Venelaulusta:

Anna meille – tarkoitan:
älä ota pois.
Vaikeata lastesi
luopua ois.

Elämäämme helpottaa
vaikket koskaan vois,
tätä pientä onneamme
älä ota pois.

1951. Päällyksen suunnittelija
tuntematon. Huomaa perhonen
luovutetun Karjalan kohdalla?

Seuraavassa näytteeksi esikoistyttärelle Tarleenalle omistettu ”Kesäruno” kokoelmasta Niityltä pois (1951):

En ole pukeva lastani
silkkimekkoon.

Risaiset housut ja vääränvärinen nuttu,
siinä se asu, joka ei loukkaa silmää,
joka ei poikkea vetten puitten teitten
maitten riekaleriemusta,
kauneudesta.

Karta silkkiä, nuppusormi.
Paina poskesi rosoista kaarnaa vasten.
sen sisar olet.

Viimeinen kokoelma vuodelta
1995. Päällys Irmeli Ilmanen.

Sitten vielä Eilan pari haiku-esimerkkiä Ruusukvartsi-kokoelmasta:

Luovuin kaikesta
niin kuin maisema teistään
lumien tullen.

Siinä on minäpuhuja metaforisesti yhtä maiseman kanssa. Toista hallitsee sosiaalinen aspekti:

Vähemmistöillä
omat alistettunsa,
erakko tietää.

Nuori Eila. Kuvattu muistomatinean julisteesta.

P. S. Olen aiemmin käsitellyt Eilan paljon tulkittua ”Tanka-satua” esseessä ”Moderni runo ja kritiikki” (ks. Anssi Sinnemäki: Trifonovin syndrooma. Tamara Press 2017, 175–187; aiemmin julkaistu 2008 Eilan vävyn Kaarlo Tuorin juhlakirjassa Demokraattisen oikeuden ehdot). Nyt Eilan elämä ja teokset alkoivat pyöriä päässäni niin, että päätin ryhtyä epigoniksi ja laatia haikun à la Eila:

Huomenlahjana
lintukoto – saantona
on lintukato.

Vai pitäisikö sen sittenkin mennä astetta synkeämmin, nokittamalla ääkkösiä pöytään:

Myötäjäisinä
lintukoto. Jäämistö –
lintukatoko?

Lukija voi valita vaihtoehdoista mieleisensä.

Hyvää joulua ja onnellista uutta vuotta 2022, parhaat lukijani!

Tove Janssonin maalaus Perhe

Tove Jansson: Perhe, 1942. Öljy kankaalle. 116 x 89. Yksityiskokoelma. Kuvattu teoksesta Tove Jansson muistonäyttely.

Tänään 9. elokuuta on Tove Janssonin syntymäpäivä, ja kesäkuussa tuli kuluneeksi 20 vuotta hänen kuolemastaan. Didrichsenin taidemuseossa Helsingissä on yhä nähtävillä 22.08. asti Janssonin maalauksiin keskittyvä näyttely Tove Jansson – Maalaaminen on kaikkein tärkeintä.

Tällä(kin) kertaa minuun teki erityisen vaikutuksen Janssonin vuonna 1942 ensimmäistä kertaa esillä ollut suurehko maalaus Perhe. Tiedetään, että se oli ollut Janssonin hartaasti työstämä kunnianhimoinen hanke, ja tiedetään, että sen kritiikkivastaanotto oli niin varauksellinen, että se masensi tekijän pitkäksi aikaa ja kenties käänsi koko hänen uransa toiseen suuntaan. Sam Vannin moite työn graafisuudesta ja Sigrid Schaumanin nuhteet sen tarinallisuudesta maalauksellisuuden sijaan tuntuvat amatöörikatsojasta vuosikymmenten jälkeen kohtuuttomilta.

Didrichsenillä havaitsin maalauksessa erään detaljin, ”semioottisen häiriön” (paljastan sen vasta tämän jutun lopussa), mikä antoi minulle virikkeen ottaa pintapuolisesti selvää, mitä taulusta on myöhempinä aikoina sanottu tutkimuskirjallisuudessa. Kävi ilmi, että jostain syystä sen tulkinta ja arvostus ovat tuottaneet vaikeuksia myöhemmillekin katsojille, myös ammatikseen taidehistoriaa harjoittaville. Ilmeisesti teoksen piilevä symbolinen lataus on aiheuttanut tulkinnallista hajontaa – huolimatta siitä, että maalauksen ”tarinallisuus” saattaa myös helpottaa sen vastaanottamista.

Taidehistorian jatkumossa Tove Janssonin Perhe ei ole Pyhä Perhe, pikemminkin päinvastoin. Toisaalta ranskalaisessa maalaustaiteessa yleistyi 1700-luvulla perhekuvan malli, jota voisi sanoa laajennetuksi muotokuvaksi, sillä sen keskiössä on patriarkka perheenjäsenten ympäröimänä. Tästä traditiosta Janssonin Perhe poikkeaa kuitenkin jyrkästi, esimerkiksi: lapset ovat jo täysikasvuisia ja itsenäisiä tai itsenäistyviä, isä on sivuosassa, ikään kuin valtaistuimeltaan suistettu, mitä korostaa äidin hallitseva asema (tämä on oma epäortodoksinen näkemykseni), niin sivussa kuin hän taulun sommitelmassa onkin, samalla kun ainoa tytär on korkealla ja keskellä, mutta jo poistumassa.

Perhe vertautuu myös valokuvataidon ja porvariston mukanaan tuomiin perhekuviin. Susan Sontagia lainatakseni, ”jokainen perhe rakentaa valokuvien avulla muotokuvakertomuksen itsestään – erillisen kuva-arkiston, joka on todistus perheen yhteenkuuluvuudesta. (…) Valokuvauksesta tuli perheriitti juuri silloin kun itse perheinstituutio (…) alkoi natista liitoksissaan. Kun tuo klaustrofobinen yksikkö, ydinperhe, alkoi irrota laajemmasta perheyhteisöstä, valokuva ilmestyi ikuistaakseen tapahtuman ja palauttaakseen vertauskuvallisesti perhe-elämän uhatun jatkuvuuden ja sen kutistuvat ulottuvuudet.” – Itse asiassa juuri tällaisen prosessin kuvitusta Janssonin Perhe on, konkreettisestikin, sillä se on maalattu tilanteessa, jolloin perhe oli hajonnut, Tove muuttanut pois kotoa ja Per Olov rintamalle. Mallien iät maalaushetkellä ovat: äiti Ham 59, isä Faffan 57, Tove 27, Per Olov 21, Lasse 15. Hajoamisen merkkinä monet ovat kiinnittäneet huomiota henkilöiden erillisyyteen ja varsinkin heidän katseisiinsa, jotka eivät kohtaa toisiaan.

Perusteellisin ja monipuolisin kuvaus maalauksesta sisältyy Boel Westinin Jansson-teokseen. Westin laajentaa tulkintansa koskemaan paitsi Janssonin omaa perhettä myös perhettä yleensä (”maalaus on myös kuva perheen käsitteestä”) sekä sotaa käyvän maan ”kaikista” perheistä (se ”on kuva suomalaisesta perheestä sodan aikana”). Sodan tunnelmat välittyvät ”symboliikkaa tihkuvan teoksen” taidehistoriallisista viittauksista, joista Westin mainitsee 1400-luvun ruotsalaisen Albertus Pictorin kuuluisan kohtauksen shakkia ritarin kanssa pelaavasta kuolemasta. ”Sota on peliä, jossa on elämä panoksena.”

Tiedetään että isän ja tyttären välit Janssonin perheessä kärjistyivät sodan aikana. Sisällissodassa valkoisten puolella taistellut isä kannatti Hitleriä, mitä Tove ei voinut sietää. Shakin punaiset ja valkoiset nappulat viittaavat paitsi käynnissä olevaan sotaan Neuvostoliittoa vastaan myös sisällissodan vastakkainasetteluun. Taulusta on luettavissa myös Toven alituinen pelko paitsi Per Olovin myös koko Suomen kohtalosta.

Hieman arveluttavana pidän Boel Westinin ”sosiogrammia” taulun perhesuhteista: ”Tove valvoo veljiään kuin äiti, hän valvoo miltei koko perhettä. Hän on keskipiste joka yhdistää veljet ja vanhemmat.” Aivan ilmeisesti lähtöaikeissa olevalle Tovelle ei kerta kaikkiaan sovi tuossa äidin rooli. Jos kenellä, se on äidillä, joka sivusta valvoo kokonaisuutta, kaikessa hiljaisuudessa. Westiniäkin vinomman tulkinnan Perheen asetelmasta on esittänyt Janssonin muistonäyttelyn julkaisussa Elina Bonelius, jonka mukaan ”teoksessa keskeisellä paikalla seisova Tove saa tuekseen koko perheensä, äitinsä, isänsä ja veljensä”.

Jansson-elämäkerrassaan Tuula Karjalainen on näkevinään Toven päähineessä ”taakse vedetyn suruharson”, mikä on kiistanalaista, vaikka muuten Toven musta asu on silmiinpistävä jo pelkästään kontrastina isän ja äidin valkeille vaatteille (suruharso saattaa olla peilin heijastusta Toven päähineestä – samalla jää arvoitukseksi, mitä kaikkea taulun peilissä heijastuu). Karjalainen mainitsee myös virheellisesti seitsenkulmaisen pöydän, vaikka se on kahdeksankulmainen ja lukusymboliikan kannalta kahdeksan on vähemmän dramaattinen kuin seitsemän, itse asiassa se voisi olla uuden aikakauden alkuun viittaava.

Epätarkasta katseestaan huolimatta Karjalaisella on myös hyviä havaintoja: ”Etualalla ovat pelaavat pojat ja seitsenkulmaisella [!] pöydällä keskeneräisen shakkipelin valkoiset ja punaiset nappulat. Sama kirkas punainen kertautuu lipastossa, ja sen voima ja kirkkaus korostuu muutoin hyvin vähävärisessä ympäristössä. Punainen verenvärin symbolina voi olla piiloviesti taustalla olevasta sodasta ja kuolemasta, koska sotilaspukuinen Per Olov on pelaamassa. Shakki ja erilaiset korttipelit ovat olleet taiteessa satojen vuosien aikana usein käytettyjä vertauskuvia kohtalolle ja sen arvaamattomuudelle. (…) Teos on arvoituksellinen, se on kuin tyttären analyysi perheen sisäisistä tunnevirroista ja samalla sodan aiheuttamista jännitteistä.”

Didrichsenin näyttelyssä pysähdyin pitkäksi aikaa Perheen eteen katselemaan paitsi taulua myös lukemaan sen esittelytekstiä: ”Perhe on sekä omakuva että muotokuva Janssonin perheestä. (…) Tove itse seisoo keskellä, näyttäen olevan matkalla ulos. (…) Shakkilauta symboloi teoksessa sotaa – on merkillepantavaa, että Per Olov pelaa valkoisilla nappuloilla, kun taas vastapuolen nappulat ovat Neuvostoliiton ja kommunismin punaisia. Taulun tunnelma on kireä ja etäinen – perheenjäsenten välillä ei ole henkistä läheisyyttä. Huoli tulevasta koskettaa heistä jokaista.”

Ihan hyvin sanottu, ajattelin, mutta jokin detalji häiritsi silti, kunnes oivalsin. Kysymys on siitä, mitä Barthes kutsuu valokuvan yhteydessä ”punctumiksi”: ”… kohtaan joskus (mutta valitettavan harvoin) minua kiinnostavan ’yksityiskohdan’. Tuntuu kuin sen pelkkä läsnäolo muuttaisi lukemistani, kuin katsoisin uutta valokuvaa, jolla on suurempi merkitys silmissäni. Tämä ’yksityiskohta’ on punctum (se joka pistää minua).”

Kunnes oivalsin: Tove Janssonin Perheen punctum on väärinpäin asemoitu shakkilauta. Janssonin poikien laudalla pelaajista katsottuna ensimmäisen rivin ruutu äärimmäisenä oikealla on vääräoppisesti musta, vaikka sen tulee olla valkoinen, aina. Keksin ilmiölle jopa termin: ”semioottinen häiriö”.

Väärin asetettu shakkilauta on Janssonin Perheen sisältämän viestin piste iin päällä: taulun maailmassa on jotain pahasti vialla, ollaan kriisitilassa, jossa vanhat säännöt eivät enää päde. Kenties kuitenkin kahdeksankulmainen pöytä, johon perheen nuorimmainen Lasse nojaa, merkitseekin toivoa jostakin mahdollisesti paremmasta.

Anssi Sinnemäki

Kirjallisuutta

Roland Barthes: Valoisa huone. Suomentaneet Martti Lintunen, Esa Sironen ja Leevi Lehto. Helsinki: Kansankulttuuri 1985.

Hans Biedermann: Suuri symbolikirja. Suomentanut ja toimittanut Pentti Lempiäinen. 4. painos. Helsinki: WSOY 1993.

Elina Bonelius: Rohkean naisen taiteilijantie. Teoksessa Tove Jansson muistonäyttely 2002, 56–73.

Tuula Karjalainen: Tove Jansson – Tee työtä ja rakasta. Helsinki: Tammi 2013.

Susan Sontag: Valokuvauksesta. Suomentaneet Kanerva Cederström ja Pekka Virtanen. Love Kirjat 1984.

Tove Jansson – maalaaminen on kaikkein tärkeintä. Toimittaneet Otto Selén ja Iiris Markkola. Didrichsen 2021.

Tove Jansson muistonäyttely 15.6.–29.9.2002. Toimittaneet Anneli Ilmonen, Teija Waaramaa, Elina Bonelius. Tampereen taidemuseon julkaisuja 102.

Boel Westin: Tove Jansson – Sanat, kuvat, elämä. Suomentanut Jaana Nikula. 3. painos. Helsinki: Schildts 2008.

150 vuotta Marcel Proustin syntymästä

Jacques-Emile Blanchen maalaama nuoren Proustin muotokuva (osa).

Tämän artikkelin julkaisua seuraavana päivänä 10.07.2021 tulee kuluneeksi 150 vuotta Marcel Proustin (1871–1922) syntymästä. Proust syntyi Pariisissa, runsas kuukausi Pariisin kommuunin verisen kukistamisen jälkeen. Myös Saksan–Ranskan sota oli päättynyt toukokuussa. Vaikka Proust syntyikin rauhan oloihin, tulisi hän vielä näkemään Euroopan ajautuvan ensimmäiseen maailmansotaan, jota hän kuvaa mestariteoksensa viimeisessä osassa.

Vastoin tähänastista Tamara Pressin sivuilla vallinnutta käytäntöä, seuraava artikkeli ei ole Anssi Sinnemäen vaan Lili Saarikiven kirjoittama. Lili Saarikivi on 20-vuotias viime keväänä Kallion lukiosta ylioppilaaksi valmistunut helsinkiläinen. Lili luki Kadonnutta aikaa etsimässä lainaamalla sen osat nidos kerrallaan isovanhempiensa kirjastosta. Urakan päätteeksi Anssi Sinnemäki tilasi Lililtä jutun, jossa tämä välittää lukukokemuksensa.

Seuraavassa Hommage à Marcel Proust, s’il vous plait!

(Otsikoinnit, kuvitus ja kuvatekstit toimituksen.)

Proust mieleni kätköistä

Turhan usein olen lukenut hyvän kirjan, ja harmitellut sen loppumista. Marcel Proustin Kadonneen ajan merkillisyyksiin kuuluu, että tuntuu kuin se alkaisi vasta loputtuaan. ”Kysymysten osuvuuden ja vastausten väistämättömyyden”, muistin ja kirjailijan, tekstin ja lukijan vuoropuhelu jatkuu loputtomiin.

Historian ystävänä minua viehättää kuinka vaivattomasti Proust sulauttaa historiallisia henkilöitä ja tapahtumia tarinaansa, aivan kuten todellisia paikkoja ja kuvitteellisia. Yksi tunnetuimmista on Dreyfusin juttu, joka jakaa seurapiirejä ja paljastaa Proustin ajan Ranskan antisemitismin. Eräs hellyttävä kohtaus sattuu, kun kertoja on promenadilla Pariisissa Swannien kanssa ja he törmäävät prinsessa Mathilde Bonaparteen. Selviää, että Swann tuntee prinsessan hyvin, ja ujo kertoja pyytää Swannia kysymään prinsessalta, tunteeko tämä Musset’n.

Proust opettaa meille tarkkaavaisuutta ja kuluvien hetkien arvostusta: hänen loputtomat lauseensa muistuttavat meille, että hetken voi elää kokonaisuudessaan, kunnes se kuluu loppuun. Jotkin asiat vaativat äärimmäistä tarkkaavaisuutta paljastuakseen, ollakseen edes olemassa. Niinpä Piazza San Marcolla en heti ryntää Dogen palatsiin tai museoon, vaan pysähdyn istumaan Caffè Florianiin, kaivan esiin laukusta Pakenijan ja syvennyn lukemaan Proustin kuvausta kertojasta ja hänen äidistään tutkimassa Basilica di San Marcoa, vertaan kertojan vaikutelmia Grand Canalen palazzoista omiini. Proustia lukiessa kiire katoaa, koska hän vaatii lukijalta aikaa ja tarkkaavaisuutta.

Proust Venetsiassa toukokuussa 1900 hotellin parvekkeella.

Naurua ja kyyneleitä

Vaikka Kadonnutta aikaa etsimässä on täynnä syvällistä pohdintaa ajan, muistin ja yksilön luonteesta, saa se lukijan myös nauramaan ääneen, usein. Guermantesin herttuattaren kommentit madame de Saint-Euverten puutarhajuhlista (”minä käyttäisin niistä nimitystä ’viemäri-iltapäivä’”) nostattavat naurun kyynelet lukijan silmiin. Pariisin seurapiirien muuttuvaa sosiaalista hierarkiaa kuvataan järisyttävän hauskasti, kun porvarillisten Verdurinien nöyryyttämä paroni de Charlus poistuu aristokraattisen ylpeästi heidän juhlistaan vanha Napolin kuningatar käsikynkässään.

Ja kuka voisi unohtaa rakastettavan isoäidin? Matkalla kesänviettoon Balbeciin isoäiti halusi seurata ”osittain rautateitse, osittain hevoskyydissä markiisitar de Sévignén reittiä, joka kulki Pariisista ’itämaille’ Chaulnesin ja ’Ponte-de-Audemerin’ kautta”. Suunnitelma kuitenkin kaatui, kun kertojan tautikammoinen isä piti sitä suorastaan vaarallisena. Uskomattoman huvittavaa on myös sen ironia, kun lukijalle Jälleenlöydetyssä ajassa paljastuu, että kertojan hölmöstä lapsuudenystävä Blochista on tullut arvostettu kirjailija, joka ”yhä julkaisi teoksiaan, joiden absurdista saivartelusta yritin nyt saada selkävoiton”. Huvittelen ajatuksella, että Bloch on sukupolvensa Bergotte: suosittu kirjailija, jota ainoastaan nuori kertoja tuntui pitävän kirjallisena nerona.

Nuorella kertojalla oli Balbecissa unettomuudesta kärsiessään tapana koputtaa kolme kertaa seinää, jolloin viereisessä huoneessa nukkuva isoäiti tulisi lohduttamaan häntä. Proust ei säästä lukijaa kyyneliltä, kun isoäidin kuoleman jälkeen kertoja Sodomassa ja Gomorrassa unetonna koputtaa seinäänsä: ”Tiesin että voisin nyt koputtaa, kovempaakin, että mikään ei voisi häntä enää herättää, että vastausta ei kuuluisi, että isoäitini ei enää tulisi.”

Isoäiti kuitenkin on herännyt kertojalle uudelleen henkiin hänen muun elämänsä mukana, tahattoman muistin kautta, kun hänet valtasi tuo suloinen nautinnon tunne, joka ”sai elämän käänteet heti tuntumaan samantekeviltä, elämän tappiot vähäpätöisiltä, elämän lyhyyden pelkältä kuvitelmalta”.

Johtomotiivit

Madeleine-leivos on kirjan tunnetuin esimerkki tahattoman muistin toiminnasta, mutta Vinteuilin sonaatin pikku teema on läpi kirjan toistuva motiivi, joka madame Saint-Euverten luona pidetyissä juhlissa yhtäkkiä muistuttaa Swannia rakkaudestaan Odetteen. Silloin Swann ymmärtää, että sonaatti, joka oli niin usein todistanut heidän ilonhetkiään, oli myös ”usein varoittanut häntä niitten katoavaisuudesta”. Tämä sama pikku teema toistuu Vinteuilin septetissä, jonka kertoja kuulee esitettävän rouva Verdurinin juhlissa osassa Vanki.

Juhlissa kertoja – kuten tuolloin jo kuollut Swann vuosia aiemmin – pohtii Vinteuilin kykyjä säveltäjänä, kuinka hän on vanginnut pikku teeman kuin vieraasta maasta. Kertoja saa oivalluksen tahattomista, kätketyistä näköisyyksistä Vinteuilin tuotannossa, ja ainoastaan Vinteuilin; hänen ”ikuisesta etsiskelystään”, ”kysymyksestä jonka hän niin monissa muodoissa esitti”, ainutlaatuisesta sävystä johon ”tahtomattaan palaavat” suuret taiteilijat, mitä kertoja pitää todisteena ”ehdottoman yksilöllisen sielun olemassaolosta”. Tämä selittää, miksi pikku teema toistuu läpi teoksen, haihtuu vain palatakseen alkuperäisessä muodossaan.

Kertojan oma johtomotiivi, johon hänen tahtomattaankin täytyy palata selittääkseen elämänsä, tulee lapsuudesta. Combrayssa oli kaksi tietä, joita pitkin tehtiin kävelyretkiä: lähes mytologinen, alueen aatelisten linnaan johtava Guermantesin tie, ja Méséglisen tie, jota kutsutaan myös Swannin tieksi, koska Swannin maatila on sen varrella. Méséglisen tien varrella hän rakastuu Swannin tyttäreen, Gilberteen, ja Guermantesin tie saa hänet fantisoimaan Guermantesin herttuattaren illallisia, joihin hän pakkomielteisesti tahtoo tulla kutsutuksi. Tiet ruokkivat hänen kuvitelmiaan, mutta myös asettavat hänet tulevaisuudessa ”monille pettymyksille ja jopa erehdyksille alttiiksi”.

Mielenkiintoista on, kuinka tiet ikään kuin poissulkevat toisensa. Ensimmäisessä osassa kerrotaan, kuinka kertojan Leonie-tädin talosta Combrayssa teille lähdettiin jopa eri porteista, ”ja siksi ilmaisu ’mennään Guermantesin kautta’ Méségliseen tai päinvastoin olisi tuntunut minusta yhtä järjettömältä kuin mennä idän kautta länteen”. Siksi lukija yllättyy, kun hän osassa Pakenija kuulee, että Gilberte on mennyt naimisiin Guermantesin sukuun kuuluvan Robert de Saint-Loupin, kertojan ystävän, kanssa.

Marcelin tädin, romaanin Leonie-tädin talon piha, kävelyretkien lähtöpiste. Combrayn esikuvana toimineen Illiersin nimi muutettiin Illiers-Combrayksi 1971, jolloin oli kulunut 100 vuotta Proustin syntymästä.

Jälleenlöydetyssä ajassa kertoja tapaa Gilberten tyttären, neiti de Saint-Loupin, Guermantesin ruhtinaan juhlissa. ”Neiti de Saint-Loup oli mielestäni hyvin kaunis: täynnä tulevaisuudentoivoa, nauravainen, luotu juuri niistä vuosista jotka minä olin kadottanut”, kertoja tuumii. Neiti de Saint-Loup on vahva kontrasti juhlien muihin vieraisiin, joita kertoja tuskin tunnistaa, koska heistä on tullut koomillisen vanhoja. Kertoja pohtii omaa kirjallista työtään ja menetettyä aikaa, ja hän tajuaa, että aloittaakseen hänen on palattava kauas, kaikki ne monet ”tärkeät polut, jotka johtivat neiti de Saint-Loupiin ja jotka kulkivat säteittäisesti hänestä poispäin”, takaisin sinne, missä ne kaksi suurta tietä päättyvät Combrayssa, lapsuudessa.

Paikannimet

Paikkojen nimillä – Balbec, Riverbelle, Combray – teoksessa on meille samaa hohtoa kuin Guermantesin nimellä oli nuorelle kertojalle. Niiden alkuperäinen tenho, joka pian katosi kertojalta, auttamatta siirtyy lukijaan, mutta vain kuvitteellisella, abstraktilla tasolla. Niinpä jos lukija eksyisi Guermantesin tielle, hän pettyisi Vivonne-joen lumpeisiin, aivan kuin Méséglisen tiellä Tansonvillen syreenien tuoksu pakenisi hänen havaintojaan; samojen ”näkymättömien ja aina läsnäolevien” syreenien tuoksu, jota kertoja Méséglisen tien takia aina jäi haltioituneena yksin hengittämään sateen kohinan läpi.

Vertaisin Proustin läsnäoloa elämässämme kohtaan, jossa Swann pohtii Vinteuilin sonaattia: ”…silloinkin kun hän ei ajatellut pikku teemaa, se oli olemassa hänen mielensä kätköissä”; se on ”yksi niistä kallisarvoisista aarteista, jotka tekevät henkilökohtaisesta maailmastamme kauniin ja viihtyisän”. Ja kun taas avaamme rakkaan kirjan, niin se on kuin lampun valo, ”joka syttyessään muuttaa kaikki ääriviivat huoneessamme, josta hämärän muistokin pakenee”.

Lili Saarikivi

Proust toukokuussa 1921.
Hän kuoli marraskuussa 1922.

Lisäys 12.07.2021: Seuraavat kaksi kuvaa ovat peräisin Marika Kecskemétin ja J. P. Pulkkisen matkalta Illiers-Combrayhin: Leonie-tädin talo ja tapetti.